悉尼華人藝術家劉大鵬（Dapeng Liu）個人藝術展覽《So Near, So Far Away》，於11月7日（星期六）在悉尼Botany的Art Atrium畫廊舉行開幕活動。展覽由11月4日至21日展出，透過融合中國傳統山水畫、幾何抽象及當代繪畫語言的作品，探索自然風景、個人記憶與色彩光線之間的關係，呈現藝術家對具象與抽象繪畫的持續實驗與思考。

是次展覽匯集劉大鵬近年不同創作方向的作品，包括結合幾何形狀的風景畫、較為具象的自然風景，以及著重色彩與顏料層次的抽象作品。畫面中的山巒、樹木與水流，透過半透明色塊、幾何結構及自由筆觸重新組合，讓觀眾在遠觀風景與近距離欣賞細節之間，感受自然景象與個人記憶的交織。

劉大鵬1982年出生於北京，現於悉尼生活及工作，擁有悉尼大學藝術史研究型碩士學位，自2014年起成為全職藝術家，主要以油畫探索自然形態、記憶與光線。他曾三度入圍澳洲著名肖像畫獎Archibald Prize，並於2026年獲得The Lester Prize的Minderoo Foundation Spirit Prize。同年亦入圍Sovereign Asian Art Prize、Mosman Art Prize及Northern Beaches Environmental Art and Design Prize。

Art Atrium創辦人兼總監陳建青（Simon Chan）致辭

開幕活動上，Art Atrium創辦人兼總監陳建青（Simon Chan）首先致辭，回顧與劉大鵬相識及多年合作的經歷，並分享對其藝術發展的觀察。陳建青表示，劉大鵬的創作一直處於探索與轉變之中，即使某一階段的作品已獲得藏家認可，他亦不會停留在既有的藝術風格，而是繼續尋找新的表達方式。他指出，劉大鵬早期曾嘗試在傳統中國山水畫中融入當代生活元素，其後逐漸探索幾何抽象，並在近年的作品中，進一步將幾何結構與自由流動的筆觸結合，展現對風景繪畫的不同理解。陳建青認為，劉大鵬的作品雖然能讓觀眾聯想到不同的藝術傳統，但他始終透過自身的思考、創作方法及繪畫語言，建立獨立的藝術風格。他肯定藝術家不斷突破既有創作形式的態度，亦表示每次展出新作，都能讓觀眾看到不同的藝術探索成果。

Bundanon董事會成員、4A Centre for Contemporary Asian Art 副主席 Elizabeth Pakchung 致辭

隨後，Bundanon董事會成員、4A Centre for Contemporary Asian Art 副主席 Elizabeth Pakchung 致辭時特別贊賞劉大鵬在不同語言及文化環境中建立生活、發展藝術事業所展現的韌性與適應能力。她認為，這種不斷探索及面對變化的精神，同樣反映在他的藝術創作之中。

談及是次展出的作品，Elizabeth表示，大幅風景畫中的柔和山巒與光線變化，令人聯想到一天之中不同時段的自然景象，而穿插其中的幾何形狀，則彷彿窗戶、門框或屏幕，令畫面中的遠近關係變得不再明確。相比之下，小幅風景作品中的樹木、山石等自然元素更容易辨認，部分抽象作品則透過色塊交疊、顏料厚薄及表面肌理的變化，帶來不同的視覺感受。Elizabeth 亦留意到，部分作品名稱與音樂及詩歌存在聯繫，認為這些元素為觀眾理解作品提供了另一個角度。

藝術家劉大鵬致辭

在藝術家分享環節中，劉大鵬回應Elizabeth對作品名稱的觀察，表示自己十分喜愛爵士樂，是次展覽中不少作品的名稱均取自爵士樂曲，亦有部分受到詩歌啟發。他表示，聆聽其他人從不同角度理解自己的作品，是一件令人著迷的事情。即使藝術家未有主動解釋作品的含義，觀眾仍可能透過畫面或標題，發現與自身經驗及興趣相連的元素。

談及是次展覽的創作方向，劉大鵬指出，自己一直同時進行不同形式的藝術實驗，只有當作品達到個人認可的狀態，才會將其公開展出。因此，展覽中的幾何風景、具象風景及抽象作品，雖然在視覺形式上有所不同，但在創作過程及藝術理念上具有緊密聯繫。他解釋，三類作品均涉及對繪畫材料、筆觸、色彩及光線的探索，尤其重視半透明色層之間的相互作用，以及顏料在畫布上自然形成的變化。

劉大鵬特別強調筆觸的即時感，希望保留落筆時直接而肯定的力量，避免因反覆修飾而失去原有的表現力。他認為，觀眾若單純以具象或抽象區分作品，可能會忽略它們在繪畫語言及創作方法上的共同之處。

劉大鵬亦進一步解釋中國傳統山水畫對其創作的影響。他認為，自然風景不僅可以透過直接觀察呈現，亦能經由記憶及重新組織而被內化，成為承載個人經驗的藝術表達。與此同時，極簡主義的理性與克制，以及色域繪畫的開闊感和情感力量，亦影響其創作方式。他嘗試讓經過安排的幾何結構與自由流動的自然形態相互結合，在秩序與變化之間尋找新的視覺可能。

劉大鵬在藝術家自述中寫道：「我往往先建立一種秩序，然後讓繪畫去干擾它。」

他通常從自由的色彩與筆觸開始，再加入半透明幾何形狀及薄層罩染的風景，使不同色層相互穿透，讓原本清晰的形狀逐漸變得朦朧，或令遠處的景物在視覺上彷彿移至眼前。除了分享藝術理念，劉大鵬亦談及全職藝術家的日常生活。他表示，除了長時間獨自在工作室創作，亦需要處理作品包裝、運輸等工作。他特別感謝家人、長期支持他的藏家，以及合作超過七年的陳建青，並表示十分珍惜畫廊給予的信任與創作自由，讓他能夠持續嘗試不同的藝術方向。

是次展覽透過不同尺幅及風格的作品，展現劉大鵬如何將傳統山水的觀看經驗轉化為當代繪畫語言。

布面油畫《Syncopation》

其中，布面油畫《Syncopation》尺寸為122 × 92厘米，以紅、橙及褐色描繪層疊山巒，並加入藍紫色至深紫色的幾何形狀。山體的自然弧線與幾何色塊的清晰邊緣形成對比，部分半透明色層亦讓下方的風景若隱若現，呈現光線與空間交錯的效果。

作品名稱《Syncopation》在音樂中意指「切分節奏」，與劉大鵬對爵士樂的喜愛相呼應。畫面中山巒的起伏、色塊的錯位及明暗變化，亦形成一種視覺節奏，讓觀眾的視線在自然形態與幾何結構之間移動。

布面油畫《Verdant》

另一幅布面油畫《Verdant》尺寸為31 × 41厘米，則將觀眾的視線帶到更貼近自然的距離。畫面中的枝幹、深綠色樹冠及紅色葉叢互相交織，橙色與粉紅色從中透出，並透過清晰可見的筆觸，保留顏料鋪展時的方向與質感。

劉大鵬在分享中指出，大幅幾何風景通常呈現較為開闊及遙遠的視角，而小幅具象作品則更加親近、個人化，亦能容納創作過程中自然產生的變化。他在藝術家自述中提到，部分作品會從中國古代山水畫中的某個片段出發，例如一棵樹、幾塊石頭或一道瀑布，再結合自己曾經看過的自然景象、記憶中的天空色彩及光線，讓歷史圖像與個人經驗在繪畫過程中逐漸融合。至於展覽中的抽象作品，劉大鵬則進一步淡化具體的自然題材，將重點放在色彩、顏料層次及畫面肌理之上。透過厚重與透明色層的並置，以及不同形狀之間的重疊與覆蓋，延續他對繪畫秩序、材料及創作過程的探索。

展覽《So Near, So Far Away》以「近」與「遠」為主題，不僅呈現自然風景在視覺距離上的變化，亦探討個人記憶、文化經驗與時間如何影響人們對景物的感受。

劉大鵬在藝術家自述中指出：「距離並不只是物理上的。數百年前經由一幅畫遇見的風景，可以變得異常鮮活；昨天才看見的事物，也可能已經感覺遙遠。」

透過中國傳統山水畫與當代抽象藝術的結合，劉大鵬將自然景象、個人記憶與不同文化背景下的藝術經驗融入畫布，讓觀眾在欣賞作品的同時，重新思考眼前所見與心中所記之間的關係。

展覽詳情

展覽名稱： Dapeng Liu — So Near, So Far Away

展覽日期： 2026年11月4日至11月21日

展覽地點： Art Atrium，12 Daniel Street, Botany NSW 2019

入口： Daphne Street

藝術家對談： 11月21日（星期六）下午2時30分至4時30分

對談嘉賓： 劉大鵬與藝術史學者、策展人、新南威爾士大學高級講師Dr Oliver Krischer