近日，2CR澳洲中文廣播電臺邀請到了華裔藝術家劉大鵬老師，就他在悉尼舉辦的個展《In Light Dwell》進行專訪。在悉尼舉辦的個展《In Light Dwell》中，藝術家劉大鵬以油畫與水性媒介為主要手法，重新演繹了中國山水畫的傳統。他的作品在視覺上極具當代感，卻又內含古典哲思，呈現出人與自然、理性與有機之間的張力與對話。展覽開幕之際，已有不少作品被收藏，這也充分顯示了市場與觀眾對其藝術的高度認可。

訪問錄音：

在訪談中，劉大鵬坦言，挫折與轉折是創作的常態。「對任何一個真誠創作的藝術家來說，挫折可能都是一種常態。」他談到，創作中的不滿往往來自對自我的高度審視與批評，而這種不確定與否定，恰恰是藝術突破的契機。「就像畢加索為葛楚德·斯坦因創作肖像時，反覆修改九十多次才完成——困境並非阻礙，而是推動藝術不斷更新的養分。」

他在訪談中也分享了近期創作中的轉折時刻——在為墨爾本群展準備作品時，前幾張畫都不順利，甚至不得不拆掉重來。「有時候我會先放一放，隔天再看。當我重新構圖、調整狀態後，靈感就會自然出現。」

在藝術風格上，劉大鵬始終在傳統與當代之間尋求平衡。他形容：「當代更像是我作品的外衣，而中國傳統則是我熱愛的內核。」離開中國後，他對山水畫的熱愛轉化為一種精神寄託。早期的作品較為直觀地體現青綠山水的痕跡，而如今，他更傾向於將傳統轉化為隱性的內核。「我把山水象徵的自然秩序，與幾何形體象徵的人造與理性並置於畫面中，透過透明化和構圖調整，使兩者在對立中共生。」

他進一步指出，這樣的創作方式不僅回應了古代山水畫「天人合一」的哲學，也折射出現代人面對生態與環境危機時的自省。劉大鵬談到：「古代山水畫並不是寫實，而是一個理想化的世界。畫家在心中重構自然，以筆墨呈現人與天地共存的秩序。」

對於藝術教育與創作之間的關係，他在訪談中表示：「藝術教育固然提供了基礎，但真正的突破在於自我探索。師父領進門，修行在個人。」他強調，現代藝術本身拒絕標準化與等級體系，藝術家最終必須靠自我探索找到屬於自己的聲音。

在談到藝術史背景對創作的影響時，他特別提到美國藝術家 Philip Guston 的例子——在 20 世紀 70 年代，Guston 主動放棄抽象表現主義的輝煌地位，轉而探索具象繪畫。「破壞與重建是藝術的永恆主題，」劉大鵬說，「我自己的創作同樣經歷這樣的過程。例如五年前，我首次將幾何硬邊元素引入山水畫，那正是一種對自我風格的破壞，但最終也催生出《In Light Dwell》系列的新面貌。」

他還提到觀眾體驗對創作的重要性。「我創作時更關注視覺元素的組織，而非意義的賦予。但觀眾的解讀常常讓我驚喜。例如許多人被畫面中的光點吸引——那原本不是我的重點，卻在觀眾心中產生共鳴。這正體現了繪畫的純粹性：意義不必完全由藝術家決定，而是藝術與觀眾之間的互動結果。」

談及當代藝術環境中的市場壓力，劉大鵬在採訪中顯得十分清醒。他認為市場的認可是助力，但保持精神性的純粹才是藝術的核心。「市場能帶來更好的創作條件，但創作本身仍應保有自由與誠實。」他笑說，自己珍惜那些「無目的」的創作時光，「往往在自由與隨性的狀態下，才會出現真正的創新。」

展望未來，劉大鵬透露，他計劃繼續在悉尼與墨爾本輪流舉辦個展，並參與小型群展與跨界合作。「藝術家的實踐不僅是完成有計劃的項目，也需要保留沒有明確目的的創作空間，那才是靈感與新方向誕生的土壤。」

（《In Light We Dwell》）